La pedagogía de Lecoq

Jacques Lecoq volvió a París, después de su aventura italiana donde se interesó por la comedia, en 1956 y ese mismo año abrió  l’École internationale de théâtre Jacques Lecoq . Desde entonces, la formación conformaría su hábitat principal de trabajo hasta su muerte.

«Es enseñando como puedo continuar mi indagación sobre el conocimiento del movimiento. Es enseñando cuando mejor comprendo cómo «eso se mueve»¡Es enseñando como he descubierto que el cuerpo sabe cosas que la cabeza no sabe todavía!. Esta búsqueda me apasiona”.

Lecoq orientó el entrenamiento de sus actores de manera que se animaran a investigar nuevas formas de actuar a las que se adaptaran mejor. Una parte importante de su trabajo de investigación actoral la dedicó al estudio de la máscara; en especial la máscara neutra; dando así primacía a la gestualidad corporal sobre la expresión verbal. Su estilo de actuación apuntó a lograr una mayor interacción con el público, un uso más completo del espacio escénico, y una prioridad de acción física por sobre la palabra.

Lecoq murió en 1999 pero de su metodología nacieron varias escuelas alrededor de todo el mundo y su programa y sus enseñanzas perviven actualmente. En una de las más prestigiosas de ellas, LISPA (London International School of Performing Arts) ubicada en ese momento en Londres (actualmente la sede esta en Berlín), fue donde se formó como actor, creador y pedagogo Roger Ribó, coordinador del programa de postgrado, así como el equipo de profesorado del Posgrado en Creación Teatral, formación de especialización impartida en la escuela el timbal.

Un plan de estudios con garantías, una pedagogía para la creación dramática

En el segundo y último año de la Escuela de Lecoq en la Rue du Faubourg-Saint-Denis de París,   el trabajo se canalizaba hacia la creación en los territorios dramáticos principales, después de un primer año centrado en conocer la vía de la actuación a través de la improvisación y del desarrollo técnico dedicado al análisis de los movimientos. El programa de Postgrado en Creación Teatral que ofrece eltimbal combina estos dos momentos , teniendo en cuenta que los y las asistentes llegan teniendo una formación actoral sólida y habiendo superado una prueba de acceso y que, por tanto, se parte de un lugar desde donde poder asumir estos conceptos con todo el rigor en sólo un año académico.

Jouer, jugar.

El juego es una de las ideas más importantes en el trabajo de Lecoq y también de las clases de posgrado, ya que es el vector que guía la formación y el proceso creativo de los actores/atrices. El juego, además de hacer del aprendizaje un placer, canaliza tres aspectos  fundamentales en la formación del actor y es por eso que se utiliza como base didáctica de las sesiones .

• El primero, fomentar la creatividad a través de la improvisación, acercándose a la escena desde la praxis y descartando el intelectualismo limitante.
• El segundo, la distancia en la interpretación del personaje, pudiendo interpretar otra cosa que no sea a uno/a mismo/a al tiempo que se hay una implicación profunda.
• La comunicación momento a momento con el espectador, pues hay que ofrecerle la interpretación, conseguir que llegue.

Observar, mimar

Además, una de las herramientas más poderosas que se aplican en la formación se consigue a través de poder observar y mimar progresivamente la dinámica de los elementos de la naturaleza (agua, fuego, tierra, aire), de las materias (papel, plástico, algodón…), de los animales, colores, luces, sonidos…Pues estas dinámicas cuando se incorporan y se hacen propias pueden ser transferidas al movimiento escénico para dar un sentido al juego teatral. Esos procesos mimodinámicos – como los denominó Lecoq– son esenciales para el enriquecimiento del juego del actor/actriz. Él mismo afirmaba: “Cuando un actor levanta un brazo, el público debe recibir un ritmo, un sonido, una luz».

Construir

Indispensable también dentro del posgrado en creación teatral, el trabajo con máscaras de comedia, ya que obliga al alumno/a a construir su presencia escénica a partir de una referencia externa que está alejada de su propia historia personal. Este proceso continúa hasta que, llegado el momento, y ya sin máscaras, los y las alumnas deben poder realizar improvisaciones donde tendrán que interpretar a varios personajes en una misma situación. Una improvisación de este tipo es «La escena del biombo», donde aprovechando la parte oculta que le ofrece el biombo, un mismo actor/actriz hace aparecer diferentes personajes. Se trata de construir un juego teatral donde los diferentes personajes se esperan, se buscan, se persiguen…. ello obliga al actor/actriz a saltar rápidamente de un personaje a otro poniendo en juego el cambio de vestuario, de voz o de la expresión corporal.

Explorar territorios

Respecto a la creación mediante la exploración de los grandes territorios, cabe decir que no se trata de reconstruir estos géneros desde el punto de vista histórico sino de buscar en ellos un estímulo que fomente la creación. Algunos de ellos son el melodrama, la comedia, el grotesco o la tragedia. Veamos sus características principales:

• El melodrama pone en juego los grandes sentimientos humanos y se impregna de los conflictos profundos de la moral y de la justicia. Es un territorio que tiene en las miradas y en los silencios su principal vehículo de expresión.
• La comedia humana plasma su tema vector, el instinto de supervivencia y da a los y las alumnas la oportunidad de participar de un juego dramático llevado al límite, donde desplegar todos sus recursos físicos y la utilización imaginativa de los objetos.
• De la tragedia al grotesco: El grotesco implica la elaboración de cuerpos marcadamente artificiales, de bufones, de personajes cuyo motor dramático se fundamenta en burlarse de las convicciones más arraigadas en la sociedad. Estos tienden a subvertir las situaciones, a retorcerlas, a imponer una lógica inversa, buscan lo insólito, la deformación de lo cotidianamente asumido. En las tragedias, el coro se trabaja como elemento esencial, como cuerpo colectivo, como «una especie de célula que puede adoptar diferentes formas según la situación en la que se encuentre». Como elemento orgánico que es, el coro puede ponerse en acción a través del proceso mimodinámico con el que se modela la presencia de un personaje. La dinámica del coro y la utilización que éste hace del espacio y del tiempo prepara la aparición y balancea la presencia del otro gran protagonista de la tragedia: el héroe o la heroína.

Encontrar la propia voz creadora

Como conclusión lógica del trabajo realizado, el posgrado finaliza con la elaboración de proyectos escénicos personales que se presentan en un espacio teatral.

Aunque la formación responde a un impulso por crear un teatro en el que prima el aspecto visual y las cualidades del movimiento escénico, las creaciones que salen se caracterizan por una gran diversidad. Precisamente, si recuperamos las palabras de Lecoq, esta diversificación en las formas creativas de sus alumnos/as revela el fin primigenio y último de su escuela, esto es «la realización de un nuevo teatro de creación».

Para poder acceder al programa del Posgrado en Creación Teatral, es necesario superar una prueba de acceso.

Si quieres ser uno/a de los elegidos/as para este próximo curso, puedes informarte de lo que debes preparar aquí.
También nos puedes llamar al 933 027 347 o venir a visitarnos y ver las instalaciones.

Fuentes:

Lecoq el cuerpo poético
Lecoq Theatre of movement and gesture
El arte del actor en el s XX, B. Ruiz

The post Posgrado en Creación Teatral. El legado de Lecoq y la poética del movimiento appeared first on el timbal.

“Deberéis crear una comedia de enredos donde cuatro actores/actrices hagan ocho personajes”.

Con esta premisa se encendió la chispa que culminaría con el estreno de Hotel Saphir, pieza de creación colectiva de la Compañía Mala Idea, programada recientemente en Aquitània Teatre, después de un exitoso recorrido por otros municipios catalanes.

Conoceremos de la mano de los propios creadores/as un poco más sobre este viaje que se inició a raíz de esta propuesta que Roger Ribó y Blanca Solé, profesores del Postgrado en Creación Teatral de la escuela el timbal de Barcelona, lanzaron un día a su alumnado.

– Habéis explicado que el proyecto Hotel Saphir nace como resultado de un ejercicio del Posgrado de Creación de el timbal con una premisa clara. ¿Cómo empezó?

– Efectivamente, así fue. Pues una vez superamos el momento “wow ¿cómo haremos esto?!”, que no duró más de dos minutos, también debo deciros, nos pusimos “manos a la obra”. Empezamos a realizar algunas improvisaciones de pequeñas situaciones que podrían generar equívocos y gags y poco a poco fuimos definiendo roles y estructura dramatúrgica.

Hay que decir que ya llevábamos dos trimestres trabajando en el posgrado sobre las dinámicas propias de la comedia (ritmo, energía, forma y construcción de personajes) y por tanto, tenía todo el sentido del mundo que ahora nos atreviéramos a lanzarnos al vacío y probar . Pero la prueba de fuego fue cuando la mostramos al público. Cuando haces comedia siempre hay ese miedo de si reirán o no, de si conectarán….y sí, salió bastante bien!!

– ¿El público rió?

– Sí, mucho!! Fue fantástico descubrir eso.

– Y con el subidón post-estreno decidisteis mover la pieza al circuito profesional, ¿no?

– Bueno, no fue así…. Nosotros, claro, estuvimos muy contentos de la buena acogida por parte del público pero nos faltaba el feed-back del profesorado (¡todo el proceso de creación es autónomo y ellos ven la pieza a la vez que el público!). En esta conversación, sí que los dos coincidieron en que tenía potencial y que, trabajándola más, podría convertirse en un espectáculo con recorrido . Así que, una vez terminados los estudios y viendo la buena sinergia que teníamos a la hora de crear, decidimos fundar la compañía Mala Idea.

Después de varias residencias en las que rehicimos la obra estrenamos una versión definitiva en enero de 2022 en el Teatro l’Amistat de Premià de Mar. Y hemos ido haciendo bolos hasta ahora, que tuvimos la oportunidad de estrenar en Barcelona, ​​en el Teatro Aquitania, experiencia de la que estamos muy satisfechos/as. Hay que decir que todo esto no hubiera sido posible sin el apoyo a la distribución de Paula López, ex-alumna también de la escuela que nos ha dado el empuje que necesitábamos para poder llegar hasta aquí.

– ¿Cómo se trabaja desde la creación colectiva?

– Trabajar entre nosotros ha sido relativamente sencillo porque compartimos un mismo lenguaje y una forma similar de ver las cosas, así que la creación ha sido el resultado del juego y la experimentación permanente, de estar abiertos a las diferentes propuestas que pueden surgir, así cómo poder respetar y valorar cada punto de vista. Desde su visión, recorrido y forma de ver las cosas, cada uno aporta elementos importantes en la construcción de los personajes, las historias o las dinámicas que se plantean en escena. Se trata, sobre todo, de confiar en las herramientas y el criterio de cada uno de nosotros.

Ahora bien, el hecho de haber estado un año cursando juntos en el Postgrado en Creación nos entrenó para trabajar en un proyecto de creación colectiva. Sin experiencia previa en un proceso creativo de estas características, avanzas mucho más a tientas y es más fácil abrumarse o rendirse, y por más ilusión y ganas que tengas te puede dominar la sensación de no saber qué estás haciendo. Y a pesar de siempre habrá (porque tiene que estar) esa sensación de incertidumbre, de no saber a qué resultado vas a llegar, es mucho más fácil, natural incluso, confiar en el proceso, en las compañeras, cuando tienes herramientas y sabes , por experiencia personal, que trabajar, confiar y acompañarnos en el proceso son claves para construir una obra de creación colectiva.

Y añadiría que, aunque puede sonar superficial, pasárselo muy bien en el proceso es un muy buen indicativo de que vamos por el buen camino, porque eso significa que estamos disfrutando, que las cosas fluyen, que nos sentimos alineadas con el proceso y el proyecto (esto no quita los momentos de debates, bloqueos y frustraciones). Y así fue en nuestro caso. Nos lo hemos pasado realmente bien desde que empezamos a idear las tramas juntos, cuando no sabíamos a dónde nos llevaría todo esto, durante cada ensayo y hasta el día del estreno. Diría que es realmente importante disfrutar del proceso, porque no es fácil, requiere mucho tiempo, energía, esfuerzos, al principio incluso dinero. Así que si no hay confianza, esfuerzo y disfrute, probablemente el proyecto se tambaleará.

– ¿Por qué decidisteis contar con un director externo?

– Fue una decisión en el momento en que la pieza ya estaba lista a nivel de estructura y recorrido dramático pero sentíamos que requería de mayor ritmo y ligereza, la sentíamos densa y que no acababa de tener la dinámica propia del género que buscábamos trabajar; además, estando todos en escena era muy difícil saber con certeza cómo mejorar ciertas partes. Así pues, con estas inquietudes buscamos una ayuda externa.

Primero contamos con la ayuda de Dani Coma, que nos orientó a la dinámica de ciertas escenas; y después de Miquel Tamarit (profesor de interpretación de El Timbal), que ha estado involucrado por completo. Él le dio el ritmo que tanto buscábamos. Su trabajo ha sido muy exigente y ha estado cuidando detalles relacionados con el tiempo, las entradas y las salidas, pero sobre todo con la organicidad de las reacciones y en que lo que ocurriera en escena estuviera vivo. Su ayuda ha sido fundamental para tener el producto que tenemos ahora.

– Os llamáis Compañía Mala Idea y hacéis creación colectiva. Alguna buena idea tendréis, ¿no?

– Hehe, sí, a veces…. No, pero ¡¡reivindicamos las malas ideas!! A ver, las buenas ideas son seguras, son útiles, son fiables, están bien. Definitivamente, las buenas ideas nos gustan. Nos encantan, de hecho. Ojalá tuviéramos siempre muchas buenas ideas. Las malas ideas, sin embargo, nos producen rechazo, burla, aversión. Y miedo, mucho miedo. ¿Pero qué tendrán las malas ideas que nos atraen y nos empujan a ir más allá, a explorar lugares desconocidos, donde estamos desprotegidos?

La cuestión es que quizás nosotros no tenemos las ideas. Quizás son las ideas las que nos tienen a nosotros, como las historias que venimos a contar, o los personajes que venimos a dar vida. Porque si hubiéramos podido elegir, habríamos elegido sin duda tener buenas ideas. Y crear una compañía de creación en plena crisis (estábamos en medio del momento más complicado de la pandemia) es, definitivamente, una mala idea.

– Pues de momento, no os está yendo mal del todo….

– No, la verdad que no. ¿Ves cómo las malas ideas molan!?

– ¿Quién es la Compañía Mala Idea?

– Somos una joven (eso de joven es importante, puedes poner emergente, si quieres jajaj) compañía de teatro de creación colectiva donde abordamos diferentes géneros y temáticas de una perspectiva irónica y cómica. Nuestro objetivo es narrar historias para conectar con nosotros mismos ya partir de ahí conectar con el público, conmover y, si es posible, generar algún tipo de reflexión. Lo importante para nosotros es que el público no salga igual que cómo entró. Trabajamos con la esencia de lo puramente escénico, en un proceso de creación honesto que, más allá del resultado, buscamos explorar diferentes lenguajes y formas escénicas, abordar retos personales y sobre todo, divertirnos y disfrutar del proceso.

Y también somos Ana, Alejandro, Claudia Marcela y Arnau. Los cuatro salidos de el timbal, escuela de interpretación de Barcelona.

– La siguiente pregunta era justamente esa…. ¿cuál es su vinculación con el timbal?

–  El Timbal es nuestra casa, aquí nos formamos (Alejandro y Ana en el Ciclo de Grado Superior y Claudia Marcela y Arnau en el Plan de Formación Actoral) y coincidimos los cuatro durante el Postgrado en Creación Teatral, uno postgrado que nos ofreció herramientas muy valiosas para entender cómo contar historias desde los diferentes géneros dramáticos y que impulsó nuestro deseo de convertirnos en creadores/as escénicos a través del juego, la improvisación y el movimiento. El Timbal ha sido el lugar que nos ha acogido y que ha permitido que cada uno de nosotros desarrollara sus propias potencialidades e inquietudes, tanto a nivel artístico, laboral como humano.

– ¿Cómo veis el panorama actual para las compañías de creación colectiva?

– Pues cada vez conocemos más compañías de creación colectiva y más espacios que apuestan por la creación a la hora de ofrecer residencias artísticas, pero, por otra parte, todavía seguimos encontrando a gente que nos pregunta por el autor de la obra . Preguntan por el autor individualizado, como si fuera mérito de un solo creador lo que han visto. Esto nos muestra que, parte del público y del sector, desconoce que una pieza de teatro puede tener muchos creadores y todavía están arraigados al concepto de autor-director-texto. La autoría es compartida puesto que todos hemos participado en el proceso de creación y todos hemos aportado nuestras ideas.

Y es por eso que la ciudad necesita más espacios que apuesten por la creación colectiva. Escuelas como el Timbal, que enseñan e impulsan a las alumnas a crear, a trabajar en equipo y darle valor a sus ideas, son necesarias para mostrar que la creación colectiva es una realidad y lo ha sido desde hace muchos años (allí tenemos el teatro independiente de los años 70 con cías como Joglars, Vol Ras, Comediants… u otras más recientes como Xirriquiteula o Espai en Construcció .

– ¿Qué otros proyectos tenéis entre manos?

– ¡Nos encanta que nos hagas esta pregunta! Jaja. No, en serio, el próximo proyecto de creación en el que estamos trabajando es Cómo eliminar el olor de lejía de las manos, una pieza de creación colectiva que surge, de nuevo, de un proyecto final del Postgrado en Creación. Es la historia de tres camareras de un hotel de lujo que, a partir de un hecho extraordinario que sucede una noche cualquiera haciendo horas extras no pagadas, se les presenta la oportunidad de preguntarse quiénes son y qué quieren: continuar con una vida que hace tiempo que no les aporta nada, de la que no están satisfechas y con la que todas, a su modo, quieren romper; o bien, por primera vez en mucho tiempo, decidir. Decidir quiénes quieren ser, adónde quieren ir, qué quieren hacer.

Se trata de una pieza que navega entre la comedia negra y el drama, cuyo argumento y tramas estarán inspiradas, a veces basadas, en testimonios reales. Apenas hemos iniciado las entrevistas a mujeres que han trabajado como camareras de hotel y en otros perfiles en el sector de la limpieza y de los cuidados. Nos parece esencial conocer en profundidad la realidad de estas trabajadoras para evitar caer en clichés y estereotipos. Y al mismo tiempo queremos abrir este espacio de comunicación y sinergia en un proyecto como éste, cuya inspiración principal es la realidad, abriéndonos a que la realidad modifique y enriquezca el teatro, y el teatro a la realidad.

¡Pues larga vida en la Cía Mala Idea y muchas gracias por vuestro testimonio!

Podéis  seguir a Cía Mala Idea en Instagram  para estar al día de todas sus actuaciones y noticias.

The post MALAS IDEAS QUE ACABAN SIENDO BUENAS. appeared first on el timbal.

POSTGRADO EN CREACIÓN TEATRAL

¿Por qué un Postgrado en Creación Teatral?

Porque es necesario. Hay muchísimos actores y actrices con muchas cosas que decir y con muchas ideas que me dicen que no saben cómo ponerse, que necesitan alguien que los dirija, que los cree la pieza que tienen en mente. Somos un centro que apuesta por la creación escénica y con el Postgrado en Creación Teatral queremos dar herramientas muy específicas para que los actores y actrices se conviertan creadores de sus propias piezas y por tanto sean mucho más autosuficientes para generarse trabajo. Que no tengan que esperar a que suene el teléfono.

TRAYECTORIAS

¿Y funciona?

A mí me funcionó y a mi compañera profesora titular del Posgrado en Creación Teatral, Blanca Solé, también le funcionó y ahora queremos que le funcione a mucha más gente.

Si vas a cualquier festival europeo de teatro  (Fringe Festival d’Edimburg, el Festival d’Avignon, La Bâtie de Ginebra, el Fringe de Praga…) gran parte de las producciones que verás serán de creación colectiva. En Europa se apuesta mucho por este tipo de teatro porque ya se ha entendido que gran parte de los actores y actrices tienen muchas cosas que decir. Se habla mucho del actor-creador y han nacido compañías aclamadas a nivel internacional como Complicité, Mummenschanz, Frantic Assembly, Theâtre du Soleil  o más recientemente las británicas  Gecko i 1927 i la noruega New International Encounter.

Has dicho que te funcionó. ¿Cómo?

Los dos estudiamos un Postgrado en Teatro Físico y Creación Teatral en la London International School of Perfomring Arts (LISPA). Éramos de dos promociones diferentes. El director de la escuela, Thomas Prattki, había sido el jefe de estudios de la Ecole Internationale de Teatro Jacques Lecoq y en 2003 abrió su propia escuela en Londres.

Aprendimos desde la Pedagogía de Jacques Lecoq pero incluyendo otras vertientes provenientes del psicoanálisis jungiana para descubrir y trabajar a fondo nuestra voz creativa.

Al final del Postgrado cada alumno debía crear una pieza propia de unos 20 min. Yo actué en algunas piezas de mis compañeros. Una de las piezas la dirigía una chica inglesa y me dijo: ¿ quieres volver en septiembre y desarrollar la pieza en una obra de una hora? Y sin pensarlo nada, dije que sí. La pieza se llamaba How it Ended y la estrenamos en 2008 en el Camden People s Theatre de Londres y funcionó muy bien.

Decidimos ir al Fringe Festival de Edimburgo y fuimos una de las sorpresas del festival. Nos nominaron a dos premios muy prestigiosos: los Total theatre Awards y los The Stage Awards for Acting Excellence. Desde el día que se hicieron públicas las nominaciones se agotaron las entradas.

A partir de aquí nos constituimos como compañía. La directora había elegido el curioso nombre de You Need Me. Volvimos al siguiente año en el Fringe y vendimos el 100% de las entradas de forma anticipada con la nueva producción Certain Dark Things basada en la dictadura franquista y el descubrimiento de la homosexualidad por parte del protagonista. Nos basamos en hechos reales. Y nos volvieron a nominar a Total Theatre Awards. Hicimos temporada los prestigiosos Arcola Theatre y New Diorama Theatre de Londres y fuimos de gira por todo el Reino Unido. Allí entendí la potencia del teatro de creación, como llegaba al público.

Desgraciadamente cuando decidí volver de Londres e iniciar mi propio proyecto en Barcelona, coincidió que otra actriz también volvía y la compañía ha terminado desapareciendo.

¿Y la Blanca Solé?

La Blanca también montó compañía con tres compañeras de clase. La compañía se llama Teatro en Vilo y ganaron el Talento Madrid 2013 con su primer espectáculo Interrupted. Ahora estarán programadas en el Centro Dramático Nacional con su segundo espectáculo. El primero, que crearon con la Blanca en una estancia en residencia en Sant Pere de Vilamajor (Montseny), ha girado por Europa, ha sido programado más de 4 meses en el Teatro Lara de Madrid y fue nominado como autoría revelación en los Premios Max 2016.

Actualmente, la Blanca sigue participando en los bolos, y al mimso tiempo ella y yo hemos creado una compañía en Barcelona.

Estamos hablando de la compañía Espacio en Construcción.

Sí, la creamos Elisenda Ribó y yo mismo e incorporamos 3 actrices. Una de ellas es la Blanca. También forma parte  Montse Bernad  del equipo directivo de el timbal y Maite Bassa que es ex alumna del Centro. Hemos hecho dos espectáculos de creación y estamos muy contentos de la gran acogida que han tenido por el público de Cataluña.

¿Como decidiste empezar a impartir clases?

A mí me gustaba dar clase. Cuando venía de Londres (en Navidad y los veranos), a veces daba cursos intensivos de teatro y me encantaba, pero nunca me había planteado ser profesor. Cuando terminé mi formación en LISPA recibí una llamada del director. Me propuso formarme como profesor a condición de que me quedara después en la escuela a trabajar. Y dije que sí. Estudié un año llamado Pedagogical Training donde aprendes a dar clase y después me quedé unos años siendo profesor titular de la escuela.

Di clase a gente de más de 35 países diferentes, de entre 18 y 60 años y aprendí muchísimo. Además, haber sido profesor de LISPA me ha abierto muchas puertas y he impartido cursos en Dinamarca, Portugal y el País Vasco.

TEATRO DE CREACIÓN EN CATALUÑA

¿En Cataluña es importante el teatro de creación? ¿Qué peso tiene?

Históricamente, muchísimo. Las grandes compañías teatrales catalanas son de creación. Todo el mundo conoce a Els Joglars, La Cubana, Els Comediants, La Fura dels Baus así como a El Tricicle i Vol-Ras (históricamente vinculadas a el timbal).

Más recientemente, los teatros de Barcelona han sobrevivido a la crisis gracias a muchas pequeñas compañías que surgieron para poder seguir trabajando y crearon sus obras. Algunas son más bien pequeñas productoras de obras de texto pero otros hacen creaciones propias. Es el caso de La Calòrica (ganadora de dos premis Max 2018), Titzina teatre o la Sargantana son un ejemplo de que el teatro de creación funciona muy bien. Además, también está la  Fira de Tàrrega que apuesta por el teatro de calle y también por la creación, y otros pequeños festivales como el Km.0.

TRES GRANDES BLOQUES

¿Qué se enseñará en el Postgrado en Creación Teatral?

Trabajaremos tres grandes bloques: el drama, la comedia y el corazón. Aprenderemos las necesidades dramatúrgicas, físicas y de espacio de cada territorio. Haremos ejercicios de interpretación y de movimiento que contendrán siempre una pequeña parte creativa para profundizar en las capacidades actorales de los participantes a la vez que aprenden a cómo construir cada estilo teatral.

Además, vamos a crear piezas de forma periódica hasta llegar a la pieza final de cada trimestre. Estas piezas las crearán los y las estudiantes de forma autónoma, sin dirección ni profesorado en clase. Cada dos semanas las presentaremos ante todo el alumnado y analizaremos lo que funciona y lo que no. La pieza final la presentaremos ante un público invitado.

Al final del Postgrado cada alumno / a deberá crear una pieza propia que presentará en un teatro de la ciudad. Ahora estamos intentando crear convenios y tenemos muchas ideas en la cabeza para que cuando terminen el posgrado tengan un enlace real con la profesión. Vamos dando pasos.

¿Qué otros profesores participarán en el Postgrado aparte de la Blanca y de ti mismo?

Tendremos profesorado nacional e internacional. Este año, de momento, tenemos confirmadas dos personas:

Toni Albà: actor, director y creador que inició sus estudios en el timbal y terminó cursando el programa de formación en la Ecole Internationale de Teatro Jacques Lecoq. Actualmente trabaja en Polònia de TV3 y ha creado muchísimas obras de teatro como Bufonant, Brams o la kumedia los errores y la aclamada La Sombra.

Fiona Clift:formada en la London International School of performing Arts como creadora y el Royal Court Theatre y el Gate Theatre como directora. Forma parte de la reconocida compañía Blind Summit; responsable de los títeres de la inauguración de los juegos olímpicos de Londres y con la que ha dirigido la parte de teatro de objetos de óperas como Madame Butterfly en la English National Opera, entre otros.

Tenemos muchas ganas de que los participantes entren en contacto con el mundo profesional de aquí y de fuera de Cataluña, así que también organizaremos un ciclo de charlas con creadores y creadoras.

¿Qué experiencia deben tener las personas que lo quieran cursar?

Las personas interesadas deben haber cursado una formación profesional o tener experiencia profesional. Además hay que superar una entrevista-prueba de acceso individual.

UN ESPACIO TEATRAL SE RIGE POR DOS NORMAS: 1. TODO PUEDE PASAR. 2. ALGO DEBE PASAR

¿Cuál es vuestro objetivo, que deseáis conseguir?

Queremos crear un espacio de aprendizaje a través del acierto y el error y que permita a cada alumno / a encontrar su voz creativa, lo que le estimula y la forma que quiere darle con el fin de hacerlo teatral. Y sobre todo queremos que haya una conexión real con el mundo profesional. Empezaremos con un espacio vacío y crearemos teatro. Como dijo Peter Brook:

‘Un espacio teatral se rige por dos normas: 1. Todo puede pasar. 2. Algo debe pasar ‘.

Para más información sobre el Postgrado en Creación Teatral haga clic aquí.

Albert Martí

Periodista Cultural

Teatralnet

The post Postgrado en Creación Teatral appeared first on el timbal.

La Commedia dell’arte trabaja los arquetipos comportamentales y tipifica los movimientos de los personajes (la forma de andar, de mover los brazos, etc.). La Comedia Humana coge elementos de la Commedia dell ‘arte, por ejemplo el trabajo con máscaras, pide a los alumnos crear sus propias estructuras corporales, es decir, sus propios personajes. De esta manera, cada actor genera personajes únicos que surgen de su creatividad.

LA COMEDIA

La Comedia es uno de los territorios teatrales por excelencia. Nos muestra las contradicciones del ser humano a partir de personajes arquetípicos en un continuo estado de urgencia y de supervivencia. Los personajes se ponen en situaciones límite dónde las contradicciones emergen continuamente. Por ejemplo: el criado debe vigilar la merienda del amo pero hace tres días que no come. Es evidente dónde acabará la merienda del amo pero cómo y cuándo serán las preguntas que hará falta que nos hagamos y tengamos que investigar. Es aquí dónde encontramos la dificultad y la magia de la comedia.

Nos encontramos en un territorio teatral que pide una gran energía por parte del actor. Hablamos de contradicciones que no sólo se expresan físicamente sino que los personajes también sufren cambios repentinos en sus estados anímicos, unos cambios que no responden a una lógica psicológica. Todos estos factores pueden hacer que el actor acabe desbordado con su propia energía o que acabe desbordando al público. Hace falta canalizar la energía generada, entender el tempo y jugar con los ritmos para que la comedia pueda ser recibida por el espectador. Para conseguir este objetivo, las máscaras de la Commedia dell’arte son una gran herramienta pedagógica.

Estas máscaras normalmente amplifican los rasgos faciales de los personajes. Los ángulos son muy marcados y muy precisos y las dinámicas inscritas en la máscara nos dan pistas del tipo de personaje que tenemos delante. Todo esto hace que cuando nos ponemos la máscara, nuestro cuerpo y nuestra voz tengan que llegar a su nivel de amplificación, y no sólo de amplificación sino también de precisión. Cuando el actor no es preciso (no canaliza su energía de forma específica) se encuentra con grandes dificultades: no se trata de moverse y gritar mucho, se trata de mantener cierto estado energético y de comunicarlo con exactitud.

La grandiosidad del trabajo con máscara, sin embargo, no recae sólo en el hecho de ayudarnos a estructurar nuestro cuerpo sino en el hecho de no dejarnos disociarlo del motor y de las motivaciones del personaje, de hecho la máscara es la que nos hace acceder. Pensemos por un momento en Carnaval, es una de las pocas ocasiones dónde tradicionalmente la gente se pone máscaras físicas. La razón todo el mundo la sabe, es el momento de hacer aquello que normalmente no haríamos pero que tenemos ganas de hacer, nos damos permiso, la máscara nos da permiso y nos obre la puerta a las pasiones y a los sentimientos más básicos, los grandes temas de la comedia humana.

Si bien los temas de la comedia son arquetípicos y coinciden con el inconsciente colectivo de muchos de nosotros, la forma de mostrarlos ha ido variando a lo largo de los siglos. Desde Aristófanes y hasta hoy hemos tenido la suerte de conservar grandes joyas de la comedia humana y poder ver su evolución a lo largo de los siglos. Y la gran pregunta es, ¿cuál es nuestra comedia? Supongo que nos toca  descubrirla y construirla entre todos  y que no es a nosotros a quien corresponde ponerle un nombre, esto lo dejamos para los del siglo XXII.

Roger Ribó impartirá el 21 y 22 de febrero de 2015  un curso intensivo entorno a la comedia humana. Para más información clicar aquí.

___________________________________________________________

El terme Comèdia Humana el va començar a utilitzar Jacques Lecoq en la seva pedagogia desenvolupada durant la segona meitat del segle XX. Explica al seu llibre ‘El cos poètic’ que la comèdia fou part dels seus ensenyaments des de l’inici però que amb els anys, molts alumnes van començar a fer cursos de Commedia dell’Arte i es va estendre una manera de fer ‘a la italiana’ la qual va provocar que el joc interpretatiu s’empobrís. Fou llavors quan va voler buscar el fons de la comèdia per retrobar la llibertat creativa dels alumnes i a partir de llavors va anomenar-la Comèdia Humana.

La Commedia dell’Arte treballa els arquetips comportamentals i tipifica els moviments dels personatges (la forma de caminar, de moure els braços, etc). La Comèdia Humana agafa elements de la Commedia dell’Arte, per exemple el treball amb màscares, però demana als alumnes crear les seves pròpies estructures corporals, és a dir, els seus propis personatges. D’aquesta manera, cada actor genera personatges únics que sorgeixen de la seva creativitat.

LA COMÈDIA

La Comèdia és un dels territoris teatrals per excel·lència. Ens mostra les contradiccions de l’ésser humà a partir de personatges arquetípics en un continu estat d’urgència i de supervivència. Els personatges es posen en situacions límit on les contradiccions emergeixen contínuament. Per exemple: el criat ha de vigilar el berenar de l’amo però fa tres dies que no menja. És evident on acabarà el berenar de l’amo però com i quan seran les preguntes que caldrà fer-nos i que haurem d’investigar. És aquí on rau la dificultat i la màgia de la comèdia.

Ens trobem davant d’un territori teatral que demana una gran energia per part de l’actor. Parlem de contradiccions que no només s’expressen físicament sinó que els personatges també pateixen canvis sobtats en els seus estats anímics, uns canvis que no responen a una lògica psicològica. Tots aquests factors poden fer que l’actor acabi desbordat amb la seva pròpia energia o que acabi desbordant al públic. Cal canalitzar l’energia generada, entendre el tempo i jugar amb els ritmes per a què la comèdia pugui ser rebuda per l’espectador. Per aconseguir aquest objectiu, les màscares de la Commedia dell’Arte són una gran eina pedagògica.

Aquestes màscares normalment amplifiquen trets facials dels personatges. Els angles són marcats i molt precisos i les dinàmiques inscrites en la màscara ens donen pistes del tipus de personatge que tenim davant. Tot això fa que quan ens posem la màscara, el nostre cos i la nostra veu hagin d’arribar al seu nivell d’amplificació, i no només d’amplificació sinó també de precisió. Quan l’actor no és precís (no canalitza la seva energia de forma específica) es troba amb grans dificultats: no es tracta de moure’s molt i de cridar molt, es tracta de mantenir cert estat energètic i de comunicar-lo amb exactitud.

La grandiositat del treball amb màscara, però, no recau només en el fet que ens ajuda a estructurar al nostre cos sinó en el fet que no ens deixa dissociar-lo del motor i de les motivacions del personatge, de fet la màscara és el que ens fa accedir-hi. Pensem per un moment en Carnestoltes, és una de les poques ocasions on tradicionalment la gent es posa màscares físiques. La raó tothom la sap, és el moment per fer allò que normalment no faríem però que tenim ganes de fer, ens donem permís, la màscara ens dóna permís i ens obre la porta a les passions i als sentiments més bàsics, els grans temes de la comèdia humana.

Si bé els temes de la comèdia són arquetípics i coincideixen en l’inconscient col·lectiu de molts de nosaltres, la forma de mostrar-los ha anat variant al llarg dels segles. Des d’Aristòfanes i fins avui hem tingut la sort de conservar grans joies de la comèdia humana i poder-ne veure la seva evolució al llarg dels segles. I la gran pregunta és, quina és la nostra comèdia? Suposo que ens toca entre tots descobrir-la i construir-la i que no és a nosaltres a qui pertoca posar-li un nom, això ho deixem per als del selge XXII.

Roger Ribó imparteix un curs intensiu de Comèdia Humana el 21 i 22 de febrer de 2015. Cliqueu aquí per a més informació.

The post La comedia humana / La comèdia humana appeared first on el timbal.